¿Quién fue Mozart?

Muchos hemos escuchado la música de este gran artista, pero ¿Quién fue este extraordinario artista de la música clásica?

Wolfgang Amadeus Mozart fue un compositor y pianista austriaco del siglo XVIII conocido por su prodigioso talento y por componer más de 600 obras en sus 35 años de vida. tan extraordinario que hoy en día es considerado probablemente uno de los músicos más importantes de la historia. Nació el 27 de enero de 1756 y murió el 5 de diciembre de 1791 (Fernández, 2022).

Los grandes músicos contemporáneos expresaban lo siguiente: Franz Joseph Haydn le dijo una vez al padre de Mozart, Leopold, que su hijo era “el más grande compositor que conozco, tanto personalmente como por su nombre”. Beethoven, otro gran representante, también profesaba admiración por la figura musical de Salzburgo, y el escritor y músico E.T.A. Uno de las pocas personas que pueden expresar en su obra lo que las palabras no pueden (Fernández, 2022).

Fue el séptimo hijo de Leopold Mozart y Anna Maria Pertl, de sus seis hermanos solo sobrevivió una niña, Maria Anna, a la que llamaban Nannerl. Su padre describió su nacimiento como un “milagro de Dios” ya que parecía demasiado pequeño y débil para sobrevivir (Víctor Moreno, 2003).
Estudió con su padre, conocido violinista y compositor que trabajaba en la orquesta de la corte del arzobispo de Salzburgo (Víctor Moreno, 2003).

Desde los tres años de edad empieza a dar muestra de su talento, interpretando piezas e piano. Al poco tiempo a la edad de cinco años, compone sus primeras obras y demuestra su capacidad para la improvisación y la lectura de partituras. Demostrando de esta manera una gran capacidad para la creación y la interpretación de sus obras.

En el año 1762, Leopoldo y sus dos hijos empezaron a tocar juntos en presencia del emperador de Viena. El 9 de junio de 1763 iniciaron un viaje de tres años y medio, visitando las cortes de Munich, Mannheim, París, Londres, La Haya, Zurich, Donaueschingen y Munich con gran éxito. Estos viajes continuos pudieron debilitar irremediablemente la salud del joven Mozart, pero también le dieron la oportunidad de conocer de primera mano los distintos estilos musicales en la Europa de la época (Massin, 2015).

En 1769, a la edad de 14 años, fue nombrado “konzermeister” (“maestro de concierto”) por el arzobispo de Salzburgo. Sin embargo, esta posición no incluye las tareas financieras, lo cual fue cambiado por estudios. En agosto de 1771, tras unos meses en Salzburgo, realiza un segundo viaje a tierras latinas. En octubre del mismo año, apareció en Milán en la boda real en “Ascanio” de Alba, que fue un gran éxito. Después de la ópera, la música instrumental fue la obra más seria de Mozart durante estos años. Destacan sus obras inmediatamente posteriores, como los cinco conciertos para violín y cuatro para oboe, así como las melodías y serenatas que compuso para el arzobispo. Sin embargo, las relaciones con él no fueron particularmente inestables, y la prohibición del obispo de que Mozart fuera a París significó que las relaciones entre los dos finalmente se desmoronaron, con el joven músico rechazando la protección de su benefactor y exigiendo su partida (Delgado, s.f.).

Su estancia en Paris no sería muy fructífera por lo que Mozart detestaba este lugar y trato de dilatarla lo mas posible. Durante este tiempo fallece su madre el 3 de julio de 1778, lo cual hace aun más pesado su estadía. A eso se le añade que su padre le había conseguido un espacio de organista en la corte. No volvería a si tierra hasta 1779 (Delgado, s.f.).

Mozart seguiría componiendo y actuando en recitales hasta caer enfermo el 22 de noviembre de 1791, esto mientras componía Réquiem, la cual dejaría inconclusa al fallecer en 5 diciembre (Corujeira, 19).

Instrumentos

Aunque algunas de las primeras obras de Mozart fueron escritas para clavecín, en sus primeros años estaba familiarizado con los instrumentos de piano construidos por Franz Jacob Spatt, constructor de Ratisbona. Más tarde, cuando Mozart visitó Augsburgo, admiró el piano de Stein y habló de ellos en una carta a su padre. El Demmler de la Catedral de Augsburgo interpreta la primera parte, Mozart la segunda y Stein la tercera. En 1783, mientras vivía en Viena, compró un instrumento musical de Walter. Leopold Mozart confirmó la conexión de Mozart con su director Walter: “El ajetreo y el bullicio no se pueden describir. El piano de su hermano fue movido al menos doce veces de su casa al teatro oa la casa de otra persona” (Wikipedia, 2022).

Influencia y legado

Johann Nepomuk Hummel fue el discípulo más importante de Mozart, a quien tomó bajo tutela en su casa de Viena durante dos años cuando era un niño. Fue una figura de transición entre el Clasicismo y el Romanticismo (García, s.f.).

Después de su muerte, el estudio de sus partituras ha sido una parte común de la educación de los músicos clásicos. Esto ha ido creciendo con los años, propagando su influencia a lo largo y ancho del globo (García, s.f.).

Uno de los músicos que fue influenciado notablemente por Mozart, cuando era joven, fue sin duda Ludwig van Beethoven, quien era catorce años más joven. Tal y como se piensa, Beethoven interpretó en la orquesta de la corte de Bonn las óperas de Mozart y viajó a Viena en 1787 para estudiar con Mozart. Algunas obras de Beethoven son comparables directamente con las obras de Mozart y compuso cadencias (WoO 58) del Concierto para piano N° 20 en re menor KV 466 de Mozart (Wikipedia, 2022).

“Varios compositores han rendido homenaje a Mozart componiendo conjuntos de variaciones sobre sus temas. Beethoven escribió cuatro conjuntos (Op. 66, WoO 28, WoO 40 y WoO 46). Otros ejemplos son las Variaciones para piano y orquesta Op. 2 de Frédéric Chopin sobre «Là ci darem la mano» de Don Giovanni (1827) y las Variaciones y fuga sobre un tema de Mozart de Max Reger (1914), basado en la Sonata para piano n.º 11 KV 331.89​ Piotr Ilich Chaikovski compuso su Suite orquestal n.º 4 en sol, llamada «Mozartiana» (1887), como un tributo al compositor salzburgués. Existe un Vals del compositor Josef Lanner sobre temas de óperas de Mozart, llamado «Die Mozartisten» («Los Mozartistas», op. 196)” (Wikipedia, 2022).

Referencias

Corujeira, J. (2009 de agosto de 19). el confidencial. Obtenido de https://www.elconfidencial.com/cultura/2009-08-19/de-que-murio-mozart-realmente_626913/

Delgado, F. (s.f.). mcn biografias. Obtenido de https://www.mcnbiografias.com/app-bio/do/show?key=mozart-wolfgang-amadeus

Fernández, T. y. (29 de Octubre de 2022). Biografias y vidas. Obtenido de https://www.biografiasyvidas.com/biografia/m/mozart.htm

García, M. (s.f.). Revista caos. Obtenido de http://www.revistacaos.es/wolfgang-amadeus-mozart.html

Massin, J. y. (2015). Iopera. Obtenido de https://iopera.es/mozart/

Víctor Moreno, M. E. (29 de Junio de 2003). Busca biografias. Obtenido de https://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/2237/Wolfgang%20Amadeus%20Mozart

Wikipedia. (19 de junio de 2022). Wikipedia. Obtenido de https://es.wikipedia.org/wiki/Wolfgang_Amadeus_Mozart#cite_note-91

José Carlos Botto Cayo

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Kampuchea, ahora conocida como Camboya, había vivido una historia llena de conflictos y sufrimiento a mediados de los años setenta. Después de obtener su independencia del protectorado francés, el país se vio envuelto en la Guerra de Vietnam y luchas civiles que desencadenaron una terrible represión bajo el régimen de los Jemeres Rojos, liderados por Pol Pot. Durante su gobierno, implementaron políticas brutales que llevaron a la muerte de aproximadamente dos millones de camboyanos, a través de la hambruna, enfermedades y la violencia del régimen. Este periodo se conoció como el genocidio camboyano, una tragedia de proporciones sin precedentes en la historia.

Después de la caída del régimen de Pol Pot en 1979, la situación en Kampuchea se agravó y el país enfrentó una dura crisis humanitaria. Para apoyar a la población y generar conciencia sobre la problemática, Paul McCartney tomó la iniciativa y organizó una serie de conciertos benéficos. Los eventos, conocidos como los Conciertos Para la Gente de Kampuchea, se llevaron a cabo los días 26, 27, 28 y 29 de diciembre de 1979 en el Teatro Hammersmith Odeon, en Londres.

El primer concierto, el 26 de diciembre, contó únicamente con la participación de Queen, quienes presentaron un setlist de 27 canciones como parte de su gira “Crazy”.

La segunda noche, el 27 de diciembre, fue protagonizada por The Clash, Ian Dury and The Blockheads y el grupo Matumbi. The Clash ofreció una actuación inolvidable con éxitos como “London Calling” y “Train In Vain”, mientras que Ian Dury and The Blockheads desplegaron su característico estilo punk y reggae.

El 28 de diciembre, la tercera noche, estuvo a cargo de The Pretenders, The Specials y The Who. The Pretenders presentaron algunas de sus canciones más icónicas, mientras que The Specials interpretaron temas propios y versiones. The Who, con un set de alrededor de tres horas, cautivaron al público con una presentación enérgica y emotiva, en la que rindieron homenaje al fallecido baterista Keith Moon.

La última noche, el 29 de diciembre, contó con Elvis Costello and The Attractions, Rockpile, Paul McCartney & Wings y la Rockestra. Rockpile y Elvis Costello ofrecieron sets cargados de energía y ritmo. Paul McCartney, con su grupo Wings, presentó un repertorio que incluía éxitos de su carrera en solitario y con The Beatles. El cierre fue protagonizado por la Rockestra, una agrupación formada por varios de los músicos que participaron en los conciertos, entre ellos Robert Plant, Pete Townshend, John Bonham y otros más.

Paul McCartney fue el impulsor de estos conciertos y logró reunir a destacadas bandas y músicos para participar en el evento. Los conciertos se llevaron a cabo del 26 al 29 de diciembre en el Teatro Hammersmith Odeon de Londres. Participaron grupos como Queen, The Clash, The Pretenders, The Who, entre otros. El objetivo principal era brindar apoyo a la población de Camboya y concienciar sobre la difícil situación del país. Las ganancias de los conciertos fueron destinadas a la UNICEF para proporcionar ayuda humanitaria y contribuir a la reconstrucción del país. Estos conciertos se destacaron como un ejemplo de cómo la música puede utilizarse como medio para apoyar causas sociales y generar conciencia sobre problemáticas globales.

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Desde una edad temprana, el joven Tito anhelaba convertirse en un bailarín profesional. Sin embargo, un accidente que sufrió mientras montaba en bicicleta cambió su rumbo y lo llevó hacia la composición musical y la interpretación. A partir de entonces, su familia y amigos reconocieron su talento innato como músico, y no pasó mucho tiempo antes de que se convirtiera en un niño prodigio.

En su adolescencia, Tito Puente se unió a diversas bandas locales, entre ellas la Orquesta Machito, y poco a poco fue labrando su camino en la escena musical. Tras cumplir su servicio en la marina durante la Segunda Guerra Mundial, continuó su formación en la prestigiosa Escuela Juilliard, donde se especializó en dirección de orquesta, orquestación y teoría musical. Con estas habilidades, su interés por la composición para big band creció y empezó a destacar como un músico versátil y talentoso.

En 1948, Tito Puente fundó su propia banda, los Picadilly Boys, posteriormente conocida como la Orquesta de Tito Puente. Con ella, grabó “Abaniquito”, el primer mambo que trascendió los límites del público hispano y alcanzó éxito en otros círculos. La firma RCA Victor lo fichó ese mismo año, y temas como “Ran Kan Kan” lo consolidaron como el “Rey del Mambo”.

El apogeo de Tito Puente llegó en los años cincuenta, cuando el mambo estaba en su máximo esplendor. Sus éxitos, como “Barbarabatiri”, “El Rey del Timbal”, “Mambo la Roca” y “Mambo Gallego”, conquistaron las radios y lo catapultaron a la fama. Con la discográfica RCA, lanzó álbumes icónicos como “Cuban Carnival”, “Puente Goes Jazz”, “Dance Mania” y “Top Percussion”.

A medida que avanzaba la década de los sesenta, Tito Puente dejó su huella en la música latina al fusionar el mambo con elementos de jazz y big band. Esta combinación innovadora lo convirtió en un referente del movimiento de fusión musical de esa época, ganándose el título de “Rey de la Música Latina”.

Su colaboración con otros músicos notables, como Woody Herman, Count Basie, Celia Cruz y Óscar D’León, amplió su impacto en la escena musical. En 1963, grabó “Oye cómo va”, un tema que trajo sus innovaciones musicales a una nueva generación, y en 1967 presentó sus composiciones en la Ópera Metropolitana del Lincoln Center.

La música de Tito Puente evolucionó hacia la salsa en los años setenta, aunque nunca perdió su esencia de jazz y big band. Su fama se expandió a nivel internacional, y en 1979 realizó una exitosa gira por Japón, abriéndose paso hacia una nueva audiencia.

Durante su carrera, Tito Puente recibió cuatro premios Grammy, entre ellos uno por su álbum “A Tribute to Benny More”. Su discografía abarcó cerca de doscientos álbumes, y su talento lo llevó a ser reconocido con el premio de la Sociedad Americana de Compositores, Autores y Editores.

En sus últimos años, Puente continuó con su pasión por la música, pero también se aventuró en otros campos, como la televisión y el cine. Participó en programas populares y películas, y su legado lo llevó a recibir distinciones y reconocimientos en vida, incluyendo una estrella en el paseo de la fama de Hollywood.

Tito Puente no solo fue un maestro en el arte de la música, sino también un alma caritativa que creó la Fundación de Becas Tito Puente para ayudar a niños talentosos con escasos recursos.

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Paul Rodgers. Ese señor que cada vez se parece más a Chuck Norris, ya saben, aquel que si juega un partido amistoso mueren diez personas, el mismo tipo que cuando corre con unas tijeras en la mano todo el mundo se hace daño menos él. Y que además hacía pelis ochenteras de mamporros, impartiendo justicia yanqui a base de demoledoras patadas voladoras. Ése.

Pues eso. Como buen amante del rock 70’s, tengo a Paul Rodgers como uno de mis vocalistas favoritos de esa época; es cierto que no he seguido sus andanzas en solitario, y quizá me pierda algo. No sé. Pero estoy casi seguro que el Rodgers más interesante, potente y electrizante ya lo tengo en mis discos de Bad Company y Free.

En el año 2008 vi en Madrid a Queen –o sea, Brian May y Roger Taylor- con Paul Rodgers como vocalista, una estrella por sí mismo, sí… pero con la labor de ponerse en el traje de Freddie Mercury, que es un personaje insustituible. Venga quién venga. El que se ponga en esos zapatos… ay, amigo mío. Estás en un serio aprieto del que te será difícil salir indemne, y no digamos ya triunfar. Pues aquella noche de noviembre Paul Rodgers triunfó, ganándose aún más mi respeto para los restos: sin pretender hacer de Mercury cantó maravillosamente en un despliegue totalmente sobrenatural; no hizo olvidar al eterno y llorado vocalista de la Reina, pero también se ganó sus merecidas ovaciones, y eso que sus compañeros eran un May por el que no pasan los años y un Taylor con el carisma totalmente intacto. Cantó, tocó el piano y la guitarra. Con dos huevos toreros. Y como los toreros, salió por la puerta grande del Palacio de los Deportes.

La colaboración de los miembros supervivientes de Queen con el vocalista de Middlesbrough conllevó la realización de dos giras mundiales –de las que salieron sendos CD+DVD- y fue incluso un poco más allá, ya que entre los tres compusieron y grabaron nuevo material, un disco publicado bajo el nombre de ”The Cosmos Rocks” (2008), que si bien no fue nada del otro jueves, al menos quedó algo bonito, como un intento de dar mayor seriedad y entidad al proyecto, que por desgracia no se repitió más.

Pero para Paul Rodgers la aventura con Queen no fue la primera colaboración ilustre que realizaría. A principios de los ochenta, tras la disolución de Bad Company, Rodgers cultivó una tardía amistad con otro insigne del hard rock británico sobre el que no hace falta añadir nada más: Jimmy Page. Ambos, decíamos, comenzaron una amistad que los llevaría durante esa época a visitarse mutuamente en sus mansiones de la campiña inglesa, visitas que solían terminar con los dos tocando todo tipo de instrumentos, cantando y comenzando a componer alguna cosilla. Paul Rodgers y Jimmy Page: dos de los mejores músicos de rock duro de la historia.

Todo indica a que se subieron juntos a un escenario por primera vez en 1983, en un concierto benéfico contra la esclerosis múltiple organizado por Ronnie Lane, bajista y vocalista –junto a un Rod Stewart con un obvio mayor protagonismo como cantante- de los maravillosos The Faces; el propio Ronnie padecía la terrible enfermedad, que le terminaría por llevar a la tumba una década después. Así pues, Page y Rodgers debieron llegar a la conclusión conjunta de que tenían magia, feeling, haciendo música juntos, y pensaron que valía la pena armar una banda. Banda que terminó bautizada como The Firm.

El resto de la formación quedó completada con dos músicos de prestigio que, si bien no eran (o fueron en el futuro) estrellas de la talla de Page o Rodgers, sí tuvieron una reputación más o menos mundial: a la batería Chris Slade, que fue miembro de AC/DC en “The Razors Edge” y su consiguiente gira –en la actualidad y tras los problemas con la justicia de Phil Rudd ha vuelto a recuperar el puesto- y Tonny Franklin al bajo y teclas, quien poco después ingresaría en los Blue Murder de John Sykes, además de ser músico habitual de grandes bandas y solistas del rock inglés de la época.

Así pues, tenemos una alineación de lujo. ¿Qué podía salir mal? The Firm grabaron dos discos, el primero homónimo (1985) y “Mean Bussines” (1986), con sus correspondientes giras por todo el mundo, que acabaron documentadas en forma de DVD’s y/o bootlegs.

De los dos trabajos de estudio que nos legaron The Firm, el más interesante es el primero, y eso que se muestra a todas luces insuficiente ante la conjunción de talentos que lo compuso y grabó; lo primero negativo es la producción: demasiado eco, demasiada indefinición, demasiada frialdad, demasiado plana. Una producción típica de la época, muy de esas bandas mainstream de los ochenta. De las dos estrellas principales de la banda –es decir, Page y Rodgers- destacará mucho más el segundo; a pesar de que el guitarrista de Led Zeppelin figura en los créditos de casi todas las canciones, no termina por tener un primer plano protagonista. O enfocándolo de otra manera: Jimmy Page, uno de los mejores y más influyentes guitarristas de todos los tiempos aparece más bien poco, y cuando lo hace no vemos ni rastro de ese legendario creador de riffs inmortales, de esos solos memorables que quedan fijados en la memoria del oyente para siempre. Jimmy Page ni está ni se le espera.

Y es que en ese mismo 1985, en el que se editó este debut de The Firm, Page estaba en una muy baja forma: según sus propias palabras, habría dejado el caballo –que le demacró a finales de los setenta, siendo seguramente su peor momento al menos como músico- a principios de la década de esos ochenta, pero lo sustituyó por una rica y variada dieta de alcohol. Ese mismo año, Jimmy Page reapareció como miembro de Led Zeppelin junto con sus compañeros supervivientes en el festival Live Aid –con el infumable Phil Collins a la batería- cinco años después de la muerte del llorado Bonzo. Uno de los platos fuertes y más esperados del festival. Pues bien, la actuación fue un absoluto desastre: no era solo que Collins no se supiese las canciones –no habían ensayado ni un solo minuto- ni que el inefable Plant desafinase bien a gusto, con absoluta pasión, es que nuestro querido Page se subió al escenario con un tremendo pedal que le hizo equivocarse continuamente, tocar envuelto en una pesada nube de efectos de guitarra para disimular sus fallos y pelearse con diferentes elementos del escenario –como el pie de micro- de tal moña que llevaba. Así pues, los Zeppelin tiraron por el sumidero gran parte del prestigio que habían acaparado en los gloriosos setenta en apenas veinte minutos… ante los ojos de miles de millones de personas de todo el mundo que siguieron la actuación por televisión.

Así pues, como decíamos Page estaba en un bajísimo momento de forma, y eso se nota en este primer disco de The Firm, en el que Paul Rodgers destaca bastante más que su compañero. Si bien no hay ningún tema realmente malo, la mediocridad envuelve prácticamente todo el álbum. Aún con todo, el debut de la banda deja algún buen momento, alguna buena canción, alguna guitarra de Page que no está del todo mal, y muy buenas partes vocales de Paul. Me quedo con “Radiactive”, “Money Can’t Buy” y las dos que cierran el LP, seguramente las más destacables: “Satisfaction Guaranteed”, con una bonita melodía y un Page en más o menos buena forma, y “Midnight Moonlight”, un largo tema que el guitarrista rescató del cajón de sastre de Led Zeppelin, y que data de las sesiones de “Physical Graffiti”. Una rareza para los acérrimos del la banda inglesa.

Podemos decir que si hubiese sido otra banda la que hubiera editado este disco, quizá no lo consideraría tan deficiente, pero teniendo delante semejante potencial es exigible algo más: es como si te compras un Audi bueno y te tira como un Dacia Sandero: pues oye, no. Devuélveme el dinero. El Dacia puede estar bien, puede hasta gustarme, pero situándolo en su contexto. Al Audi hay que pedirle más, que para eso te estás dejando los billetazos, ¿no?

Algunos años después, ya en los noventa, Jimmy Page intentó un proyecto similar a The Firm, en este caso acompañándose de otro de los grandes vocalistas del rock británico: David Coverdale. Juntos grabaron un disco que no fue demasiado mejor que este debut de The Firm, aunque si algo más inspirado. Pero igualmente fallido.

Y es que ya se sabe, a veces unir dos cosas que te gustan mucho no tiene por qué dar un resultado satisfactorio…

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Grabaron su primer álbum, titulado “Vida”. Las primeras tomas se hicieron a fines de 1972 y el tema “Amigo, vuelve a casa pronto” fue el primero que registró el grupo.

La presentación oficial se hizo en el Teatro Ópera de Buenos Aires, en Abril de 1973. En Mayo se les unieron Paco Pratti (batería) y Alejandro Correa (bajo). Al mes siguiente registraron “Aprendizaje” y “Bienvenidos al tren”, los dos primeros cortes de su segundo Álbum, “Confesiones de Invierno”, en el cual participaron David Lebón y León Gieco.

En 1974 Juan Rodriguez reemplazó a Pratti en batería y comenzaron las grabaciones del tercer álbum, titulado “Pequeñas anécdotas sobre las instituciones”. Los temas del nuevo disco se estrenaron en el Teatro Coliseo con 1.800 localidades vendidas y con músicos invitados como León Gieco y David Lebón.

Destinaron el invierno de 1975 a la gira con PorSuiGieco, grupo que compartieron con María Rosa Yorio, Raúl Porchetto y León Gieco. Al regresar decidieron disolver el grupo y se presentaron en un concierto de despedida el 5 de Septiembre en el Estadio Luna Park, en dos funciones ante 30.000 personas.

Del concierto se realizó una película: “Adios Sui Generis”, la cual se estrenó en 1976. De esos conciertos se desprende la trilogía “Adiós Sui Generis”, editados los dos primeros en 1975 y el tercero en 1978.
Charly García y Nito Mestre, continuaron sus carreras como solistas.

En 1995 se lanzó el álbum “Antología”.

En el 2000 presentaron “Sinfonía Para adolescentes”. En el 2001 lanzaron dos volúmenes de “Si”. 

Fuente: https://www.cmtv.com.ar/biografia/show.php?bnid=283&banda=Sui_Generis

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En algún momento el astro del fútbol Diego Armando Maradona exclamó: “Si no fuera Maradona, me gustaría ser Charly García”.

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Muddy aprendió de músicos como Son House, un cantante de voz potente que ambientaba las largas jornadas de trabajo y que poseía una lastimera forma de tocar su guitarra. Otro personaje con el que Muddy estuvo en contacto es otro mito del blues, Robert Johnson. El primer personaje en creer en sus conocimientos fue Alan Lomax, un cazatalentos, que le ayudó a hacer una grabación enviada a la Biblioteca del Congreso en 1940. La grabación estaba compuesta por: Country blues y I be’s troubled, dos blues de gran fuerza.

Con el fin de encontrar más oportunidades en la música, Waters se mudó a Chicago, donde empezó a aprender guitarra eléctrica. Con el paso del tiempo se volvió cada vez más popular entre los músicos negros de la época. Lo que más admiraban en el círculo de músicos era el uso del slide para tocar, esta forma se convirtió en su sello. Posteriormente, tuvo la oportunidad de grabar para Chess Records. Más tarde para completar su clásica formación de blues se añadió la percusión y la armónica de Little Walter.

Waters pronto se convirtió en la figura más reconocible del Chicago blues, todo gracias a su impresionante voz y su carisma en el escenario. Muchos artistas lo apodaron el «Jefe de Chicago». Muchas de las canciones que Waters tocó se convirtieron en clásicos de los 50 y principios de los 60. Las grabaciones de Waters son particularmente notables: Got My Mojo Working, Hoochie Coochie Man, She’s Nineteen Years Old y Rolling and Tumbling todos grandes clásicos, en muchas ocasiones fueron objeto de versiones por bandas de diferentes géneros.

Muddy tenía pruebas de su capacidad y se ganó una creciente reputación tocando por los locales de la ciudad. Al principio tocaba durante largas jornadas nocturnas por un pago irrisorio, pero luego las cantidades que ganaba eran interesantes. Muddy también tuvo que trabajar en una fábrica de papel de Chicago mientras estuvo allí conoció un montón de personas amantes y conocedoras del blues. La persona más importante que conoció fue a Big Bill Broonzy, que lo llevó con él por el circuito de los clubs, incitándolo a hacer nueva música.

Luego de tocar para Chees, en 1950 decidió formar una agrupación con el brillante maestro de la armónica Little Walter. En los dos años siguientes se constituyó de forma espontánea The Muddy Waters Band, para ese momento sus integrantes eran Little Walter, Jimmy Rogers en la guitarra, Otis Spann en el piano, en el bajo y la batería estuvieron una serie de músicos. Muddy logró varios exitos. Lograron girar por el Sur en cada concierto los espectadores oscilaban entre seiscientas u ochocientas personas. En aquella época Muddy afianzó su habilidad para el canto, inclusive dejando totalmente de lado la guitarra.

La forma y la postura a la hora de cantar de este artista afroamericano, fue muy particular y por ende muy admirada. En 1958 hizo su primera aparición en Gran Bretaña, impactando a los espectadores. Aunque en esa ocasión la prensa tildo su música de decadente y vulgar. Esto afligió a Muddy. Por ello, decidió grabar un álbum más tradicional, titulado Muddy Waters sings Big Bill. A pesar de ello, la banda de Muddy fue invitada al Carnegie Hall en 1959 y al Newport Jazz Festival en 1960.

Grabaron un álbum en Newport, con sus éxitos más recientes: Tiger in your tank y Got my Moio working, este álbum fue un estímulo y una guía para el desarrollo musical de los jóvenes grupos de rhythm and blues ingleses. En la década de los 70 Muddy tuvo un período de altibajos. Pero luego se recuperó gracias a los jóvenes músicos blancos que empezaron a nombrarlo como su dios tutelar, de los pequeños clubs famosos paso a los grandes teatros del rock, como el Fillmore. En 1968 grabó un álbum «psicodélico», llamado Electric Mud, aunque no alcanzó un gran éxito.

Más adelante, realizó una grabación con algunos músicos blancos: Michael Bloomfield, Paul Butterfield y algunos integrantes de The Rolling Stones, grabaron Fathers and sons (1970) y The London Muddy Waters sessions (1972). La carrera de Muddy corrió peligro luego de sufrir un accidente, todo el mundo pensó que su carrera musical terminaría, pero fuertemente el cantante de blues se recuperó y volvió al escenario.

Levantó un nuevo grupo y empezó a cantar con el joven Johnny Winter, con el que realizó muy buenos álbumes. La vida de Muddy Waters terminó el 30 de abril de 1983. Esto no fue impedimento para que su popularidad y la fascinación de su música permanecieran aún inalterables, al igual que su aporte en la historia del rock.

Fuente: https://historia-biografia.com/muddy-waters/

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Hace pocos años atrás pase la barrera de los 50, una edad que es considerada como la mitad de la vida y la plenitud de la vida adulta. En esos años se han escrito muchas historias y muchos caminos recorridos. Pero si algo ha acompañado a mi generación y las que han venido después, es sin duda la agrupación británica The Rolling Stones.

Una gran banda musical que representa la rebeldía de muchas generaciones a lo largo de sus vidas. Quien podría pensar que esos jovenes de los sesentas compondrían el soundtrack de nuestras vidas. Trayéndonos canciones inolvidables como Satisfaction, Simpaty for the devil, Angie, entre otras.

Los Rolling Stones

Los Rolling Stones es una banda británica de los inicios de los sesenta. Se formó en abril de 1962​ por Brian Jones, Mick Jagger, Keith Richards, Bill Wyman, Charlie Watts e Ian Stewart.​

El nombre de la agrupación viene de una canción de Muddy Waters llamada Rollin´Stone, es así que se inicia la larga historia de una de las bandas de rock mas influyentes en la historia del rock, junto a clásicas agrupaciones como los Beatles. En contraste a ellos, los Rollings Stones siempre fueron considerados como los rebeldes de la época.

Los Rolling Stones van a tener un antes y un después a raíz de la muerte de uno de sus fundadores Brian Jones. Sobre la cual se han escrito muchas historias, documentales y algun film que narran este hecho, el cual como otras muertes de músicos ha pasado hacer parte de las leyendas urbanas.

A raíz de este hecho, la dupla, entre Jagger y Richards, van a tomar el control de la banda y la van a llevar al estrellato que conocemos hoy en día. Es una banda que ha podido reinventarse con los años, permaneciendo en el tiempo e influenciando a jovenes que han formado grandes agrupaciones a lo largo y ancho del globo. En el Perú uno de sus grandes fans es el cantante Pedro Suárez Vertiz, quien desde sus años escolares siempre ha sido un fan muy grande de esta banda.

La muerte de Charlie Watts

Esta semana el baterista de la banda partió al encuentro  de la legión de rockeros que le precedieron, como su compañero de banda que mencionáramos unas lineas arriba, al baterista de Led Zeppelin John Bonham, quien falleciera joven hace a inicios de los ochentas, el gran Jimmy Hendrix o el inolvidable Jim Morrison de los Doors.

Definitivamente una parte de nuestras vidas se va con la desaparición de Charlie Watts, una persona que nos ha acompañado desde el uso de la memoria, siempre tranquilo en la batería tocando los ritmos con los cuales hemos ido formando los recuerdos.

Hoy día solo podemos darle las gracias por su aporte a la música y por influenciar a varias generaciones con su sonrisa y tranquilidad en los tambores. Nos enseño lo que es ser parte de una banda de rock y la constancia que es tan importante para lograr los éxitos. Uno siempre debe mantenerse firme como una piedra para poder trascender en aquello que se propone en la vida.

Muchas gracias y hasta pronto!

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