En medio de la efervescencia del heavy metal ochentero, entre solos de guitarra abrasivos y portadas provocadoras, surgió una canción que, a pesar de su título crudo y su potencia sonora, escondía una carga política de gran profundidad. Balls to the Wall, de la banda alemana Accept, lanzada en 1983, se convirtió en un himno no solo para los fanáticos del género, sino también para quienes buscaban una forma distinta de canalizar su frustración frente al poder. Aunque a simple oído podía parecer otra declaración testosterónica del metal de aquella década, su mensaje iba mucho más allá del ruido y la furia: hablaba de justicia, resistencia y dignidad para los marginados del sistema.

Accept, lejos de encasillarse como una banda de rebeldía superficial, supo con esta canción dar forma a una narrativa compleja. Balls to the Wall es un grito de insurrección, una marcha de los humillados, una advertencia a las estructuras opresoras de que todo abuso tiene un límite. Con un riff monolítico que martilla como una consigna obrera, y una letra que convoca a los olvidados a “patear traseros” cuando llegue su día, la canción fue más que un éxito: fue un acto político disfrazado de espectáculo. Y como suele ocurrir con el arte sincero, encontró en los oídos atentos una interpretación más duradera que cualquier moda.

Una canción que desafía desde el título

La expresión Balls to the Wall proviene del mundo de la aviación militar, donde se usaba para referirse a empujar las palancas (los “balls”) al máximo contra el panel (la “wall”) para obtener la máxima potencia. En lenguaje popular, la frase pasó a significar “ir con todo”, “sin miedo” o “a toda máquina”. Accept la tomó prestada y la convirtió en una declaración de intenciones. Desde el primer acorde, el oyente entiende que lo que viene no es una balada ni una invitación a la calma: es el principio de una batalla sonora y simbólica.

La letra, cantada con voz áspera y determinante por Udo Dirkschneider, no deja lugar a dudas: “One day the tortured will stand up and kick some ass”. La frase es un puñetazo a la indiferencia. Habla del momento en que los silenciados se levantarán, no para pedir permiso, sino para tomar lo que les ha sido negado. Y lo harán sin disculpas, sin maquillaje moral. El “torturado” en la canción no es un individuo, sino una clase, un colectivo, una humanidad doliente que ha aprendido a resistir desde la sombra y que ahora emerge, armada no con armas, sino con la certeza de su derecho.

Muchos malinterpretaron el contenido de la canción debido a su título y a la estética ambigua del videoclip. Algunos asumieron que hablaba de sexualidad o incluso de homoerotismo, debido a su carga visual y simbólica. Sin embargo, los propios miembros de la banda han aclarado que el mensaje va por otro lado: es una crítica al abuso del poder, a los sistemas que excluyen, al silencio impuesto por la violencia estructural. La provocación estaba, sí, pero era una herramienta para incomodar al oyente superficial y obligarlo a mirar más allá de lo evidente.

La política del heavy metal

El heavy metal ha sido históricamente subestimado como vehículo de contenido político. A menudo caricaturizado como un género de gritos, guitarras distorsionadas y letras oscuras, se lo ha vinculado más con lo visceral que con lo reflexivo. Sin embargo, Balls to the Wall demuestra que este prejuicio es injusto. La canción actúa como una crónica de la exclusión, como un llamado a la acción que no necesita códigos académicos para decir lo que tiene que decir. Su potencia está justamente en hablar claro, directo, sin adornos, a la médula de la injusticia.

El riff central funciona casi como un himno obrero. Repetitivo, insistente, constante. No busca lucirse con virtuosismos técnicos, sino marcar un ritmo de avance, como si el paso de los marginados fuera ya una marcha inminente. Es música que camina hacia adelante, que no se detiene, que anticipa una confrontación inevitable. Cada golpe de batería es un eco de furia contenida, cada frase de Udo es una proclama que ya no admite espera. El heavy metal, en este contexto, se convierte en lenguaje de protesta.

Resulta también revelador que esta canción haya sido escrita por una banda alemana en plena Guerra Fría, en un continente dividido por muros físicos e ideológicos. La idea de “derribar las paredes” resonaba entonces con una fuerza literal, política y emocional. Aunque Accept no se proclamó explícitamente como una banda política, lo cierto es que en esta canción canalizaron con lucidez el sentir de miles de jóvenes que se sabían fuera del centro del poder, que no tenían lugar ni en los despachos ni en las portadas. Balls to the Wall hablaba por ellos y con ellos.

Simbolismo y legado

Hay algo profundamente visual en la canción. Aunque la letra es breve, sugiere imágenes potentes: hombres de pie entre escombros, edificios temblando, estatuas cayendo. En cierta forma, prefigura una revuelta silenciosa, no caótica, sino organizada. Los personajes de esta narrativa no son criminales ni caudillos: son gente común que ya no tolera más. El “patear traseros” no es un acto de violencia gratuita, sino la consecuencia de años de opresión, la afirmación de una dignidad largamente negada. En este sentido, la canción es profundamente ética.

En su videoclip, el simbolismo se amplifica. Las paredes caen, las estatuas se agrietan, y los personajes se miran entre sí con un gesto de reconocimiento mutuo. Lo que se cae no es solo un muro, sino un sistema de exclusión. El arte visual acompaña el mensaje de la canción sin sobreexplicarlo, y eso es parte de su fuerza. El mensaje está ahí, para quien quiera verlo, sin necesidad de subrayados. Es arte que respeta la inteligencia del espectador.

Décadas después, Balls to the Wall sigue siendo una canción vigente. Ha sido usada en manifestaciones, en películas, en videojuegos, en tributos. Y cada vez que suena, lo hace con la misma urgencia. Porque los muros siguen ahí. Porque los invisibles siguen siendo muchos. Porque el rugido de los que ya no quieren ser ignorados no ha perdido fuerza. Accept, con esta canción, no solo escribió una pieza musical memorable: compuso una pieza de resistencia que aún vibra en el corazón de quienes se niegan a aceptar el mundo tal como está.

La voz del marginado como narrativa universal

Lo más potente de Balls to the Wall no es solo su capacidad de reflejar una situación específica de los años 80, sino su habilidad para trascender fronteras y hablarle al mundo. Aunque escrita por una banda alemana y centrada en un contexto de opresión estructural, la canción logra construir un puente emocional con todos aquellos que han sido empujados a la periferia del poder. El marginado en la canción no tiene pasaporte: puede ser un obrero ignorado, un migrante excluido, una mujer silenciada, un estudiante reprimido, un trabajador precario. En cada uno de ellos vibra la misma sensación de no ser escuchado, de gritar en una habitación cerrada, de esperar el momento para derribar la puerta y salir al mundo a decir: aquí estoy, también soy parte.

Este tipo de narrativas resultan esenciales en una sociedad saturada de imágenes prefabricadas. Mientras el discurso dominante insiste en el éxito individual, la eficiencia, la competitividad, Balls to the Wall recuerda que hay una épica más silenciosa y profunda: la del que resiste sin ser visto, la del que soporta sin ser reconocido. El heavy metal, a través de esta canción, recupera el arte como espacio de lucha simbólica. No se trata solo de la música que suena fuerte, sino de lo que esa música representa: una voz cruda, sin filtros, que no pide permiso. En un mundo donde todo tiende a suavizarse o a ajustarse a lo políticamente correcto, esta canción mantiene su filo como una hoja oxidada que todavía corta.

Y es quizás ahí donde radica su permanencia. Balls to the Wall no busca complacer, ni suavizar, ni dar respuestas fáciles. No es una canción que consuele: es una que despierta. No pretende esconder la rabia: la canaliza. Y ese enfoque, tan directo y sin adornos, ha permitido que la canción no envejezca. Sigue siendo útil. Sigue sirviendo. Sigue molestando. Porque mientras existan muros —reales o simbólicos— habrá quienes necesiten canciones como esta para recordar que el poder también puede ser contestado con una guitarra, una voz rasgada y una frase certera como un disparo: “One day the tortured will stand up and kick some ass.”

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¿Quién fue Mozart?

Muchos hemos escuchado la música de este gran artista, pero ¿Quién fue este extraordinario artista de la música clásica?

Wolfgang Amadeus Mozart fue un compositor y pianista austriaco del siglo XVIII conocido por su prodigioso talento y por componer más de 600 obras en sus 35 años de vida. tan extraordinario que hoy en día es considerado probablemente uno de los músicos más importantes de la historia. Nació el 27 de enero de 1756 y murió el 5 de diciembre de 1791 (Fernández, 2022).

Los grandes músicos contemporáneos expresaban lo siguiente: Franz Joseph Haydn le dijo una vez al padre de Mozart, Leopold, que su hijo era “el más grande compositor que conozco, tanto personalmente como por su nombre”. Beethoven, otro gran representante, también profesaba admiración por la figura musical de Salzburgo, y el escritor y músico E.T.A. Uno de las pocas personas que pueden expresar en su obra lo que las palabras no pueden (Fernández, 2022).

Fue el séptimo hijo de Leopold Mozart y Anna Maria Pertl, de sus seis hermanos solo sobrevivió una niña, Maria Anna, a la que llamaban Nannerl. Su padre describió su nacimiento como un “milagro de Dios” ya que parecía demasiado pequeño y débil para sobrevivir (Víctor Moreno, 2003).
Estudió con su padre, conocido violinista y compositor que trabajaba en la orquesta de la corte del arzobispo de Salzburgo (Víctor Moreno, 2003).

Desde los tres años de edad empieza a dar muestra de su talento, interpretando piezas e piano. Al poco tiempo a la edad de cinco años, compone sus primeras obras y demuestra su capacidad para la improvisación y la lectura de partituras. Demostrando de esta manera una gran capacidad para la creación y la interpretación de sus obras.

En el año 1762, Leopoldo y sus dos hijos empezaron a tocar juntos en presencia del emperador de Viena. El 9 de junio de 1763 iniciaron un viaje de tres años y medio, visitando las cortes de Munich, Mannheim, París, Londres, La Haya, Zurich, Donaueschingen y Munich con gran éxito. Estos viajes continuos pudieron debilitar irremediablemente la salud del joven Mozart, pero también le dieron la oportunidad de conocer de primera mano los distintos estilos musicales en la Europa de la época (Massin, 2015).

En 1769, a la edad de 14 años, fue nombrado “konzermeister” (“maestro de concierto”) por el arzobispo de Salzburgo. Sin embargo, esta posición no incluye las tareas financieras, lo cual fue cambiado por estudios. En agosto de 1771, tras unos meses en Salzburgo, realiza un segundo viaje a tierras latinas. En octubre del mismo año, apareció en Milán en la boda real en “Ascanio” de Alba, que fue un gran éxito. Después de la ópera, la música instrumental fue la obra más seria de Mozart durante estos años. Destacan sus obras inmediatamente posteriores, como los cinco conciertos para violín y cuatro para oboe, así como las melodías y serenatas que compuso para el arzobispo. Sin embargo, las relaciones con él no fueron particularmente inestables, y la prohibición del obispo de que Mozart fuera a París significó que las relaciones entre los dos finalmente se desmoronaron, con el joven músico rechazando la protección de su benefactor y exigiendo su partida (Delgado, s.f.).

Su estancia en Paris no sería muy fructífera por lo que Mozart detestaba este lugar y trato de dilatarla lo mas posible. Durante este tiempo fallece su madre el 3 de julio de 1778, lo cual hace aun más pesado su estadía. A eso se le añade que su padre le había conseguido un espacio de organista en la corte. No volvería a si tierra hasta 1779 (Delgado, s.f.).

Mozart seguiría componiendo y actuando en recitales hasta caer enfermo el 22 de noviembre de 1791, esto mientras componía Réquiem, la cual dejaría inconclusa al fallecer en 5 diciembre (Corujeira, 19).

Instrumentos

Aunque algunas de las primeras obras de Mozart fueron escritas para clavecín, en sus primeros años estaba familiarizado con los instrumentos de piano construidos por Franz Jacob Spatt, constructor de Ratisbona. Más tarde, cuando Mozart visitó Augsburgo, admiró el piano de Stein y habló de ellos en una carta a su padre. El Demmler de la Catedral de Augsburgo interpreta la primera parte, Mozart la segunda y Stein la tercera. En 1783, mientras vivía en Viena, compró un instrumento musical de Walter. Leopold Mozart confirmó la conexión de Mozart con su director Walter: “El ajetreo y el bullicio no se pueden describir. El piano de su hermano fue movido al menos doce veces de su casa al teatro oa la casa de otra persona” (Wikipedia, 2022).

Influencia y legado

Johann Nepomuk Hummel fue el discípulo más importante de Mozart, a quien tomó bajo tutela en su casa de Viena durante dos años cuando era un niño. Fue una figura de transición entre el Clasicismo y el Romanticismo (García, s.f.).

Después de su muerte, el estudio de sus partituras ha sido una parte común de la educación de los músicos clásicos. Esto ha ido creciendo con los años, propagando su influencia a lo largo y ancho del globo (García, s.f.).

Uno de los músicos que fue influenciado notablemente por Mozart, cuando era joven, fue sin duda Ludwig van Beethoven, quien era catorce años más joven. Tal y como se piensa, Beethoven interpretó en la orquesta de la corte de Bonn las óperas de Mozart y viajó a Viena en 1787 para estudiar con Mozart. Algunas obras de Beethoven son comparables directamente con las obras de Mozart y compuso cadencias (WoO 58) del Concierto para piano N° 20 en re menor KV 466 de Mozart (Wikipedia, 2022).

“Varios compositores han rendido homenaje a Mozart componiendo conjuntos de variaciones sobre sus temas. Beethoven escribió cuatro conjuntos (Op. 66, WoO 28, WoO 40 y WoO 46). Otros ejemplos son las Variaciones para piano y orquesta Op. 2 de Frédéric Chopin sobre «Là ci darem la mano» de Don Giovanni (1827) y las Variaciones y fuga sobre un tema de Mozart de Max Reger (1914), basado en la Sonata para piano n.º 11 KV 331.89​ Piotr Ilich Chaikovski compuso su Suite orquestal n.º 4 en sol, llamada «Mozartiana» (1887), como un tributo al compositor salzburgués. Existe un Vals del compositor Josef Lanner sobre temas de óperas de Mozart, llamado «Die Mozartisten» («Los Mozartistas», op. 196)” (Wikipedia, 2022).

Referencias

Corujeira, J. (2009 de agosto de 19). el confidencial. Obtenido de https://www.elconfidencial.com/cultura/2009-08-19/de-que-murio-mozart-realmente_626913/

Delgado, F. (s.f.). mcn biografias. Obtenido de https://www.mcnbiografias.com/app-bio/do/show?key=mozart-wolfgang-amadeus

Fernández, T. y. (29 de Octubre de 2022). Biografias y vidas. Obtenido de https://www.biografiasyvidas.com/biografia/m/mozart.htm

García, M. (s.f.). Revista caos. Obtenido de http://www.revistacaos.es/wolfgang-amadeus-mozart.html

Massin, J. y. (2015). Iopera. Obtenido de https://iopera.es/mozart/

Víctor Moreno, M. E. (29 de Junio de 2003). Busca biografias. Obtenido de https://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/2237/Wolfgang%20Amadeus%20Mozart

Wikipedia. (19 de junio de 2022). Wikipedia. Obtenido de https://es.wikipedia.org/wiki/Wolfgang_Amadeus_Mozart#cite_note-91

José Carlos Botto Cayo

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Kampuchea, ahora conocida como Camboya, había vivido una historia llena de conflictos y sufrimiento a mediados de los años setenta. Después de obtener su independencia del protectorado francés, el país se vio envuelto en la Guerra de Vietnam y luchas civiles que desencadenaron una terrible represión bajo el régimen de los Jemeres Rojos, liderados por Pol Pot. Durante su gobierno, implementaron políticas brutales que llevaron a la muerte de aproximadamente dos millones de camboyanos, a través de la hambruna, enfermedades y la violencia del régimen. Este periodo se conoció como el genocidio camboyano, una tragedia de proporciones sin precedentes en la historia.

Después de la caída del régimen de Pol Pot en 1979, la situación en Kampuchea se agravó y el país enfrentó una dura crisis humanitaria. Para apoyar a la población y generar conciencia sobre la problemática, Paul McCartney tomó la iniciativa y organizó una serie de conciertos benéficos. Los eventos, conocidos como los Conciertos Para la Gente de Kampuchea, se llevaron a cabo los días 26, 27, 28 y 29 de diciembre de 1979 en el Teatro Hammersmith Odeon, en Londres.

El primer concierto, el 26 de diciembre, contó únicamente con la participación de Queen, quienes presentaron un setlist de 27 canciones como parte de su gira “Crazy”.

La segunda noche, el 27 de diciembre, fue protagonizada por The Clash, Ian Dury and The Blockheads y el grupo Matumbi. The Clash ofreció una actuación inolvidable con éxitos como “London Calling” y “Train In Vain”, mientras que Ian Dury and The Blockheads desplegaron su característico estilo punk y reggae.

El 28 de diciembre, la tercera noche, estuvo a cargo de The Pretenders, The Specials y The Who. The Pretenders presentaron algunas de sus canciones más icónicas, mientras que The Specials interpretaron temas propios y versiones. The Who, con un set de alrededor de tres horas, cautivaron al público con una presentación enérgica y emotiva, en la que rindieron homenaje al fallecido baterista Keith Moon.

La última noche, el 29 de diciembre, contó con Elvis Costello and The Attractions, Rockpile, Paul McCartney & Wings y la Rockestra. Rockpile y Elvis Costello ofrecieron sets cargados de energía y ritmo. Paul McCartney, con su grupo Wings, presentó un repertorio que incluía éxitos de su carrera en solitario y con The Beatles. El cierre fue protagonizado por la Rockestra, una agrupación formada por varios de los músicos que participaron en los conciertos, entre ellos Robert Plant, Pete Townshend, John Bonham y otros más.

Paul McCartney fue el impulsor de estos conciertos y logró reunir a destacadas bandas y músicos para participar en el evento. Los conciertos se llevaron a cabo del 26 al 29 de diciembre en el Teatro Hammersmith Odeon de Londres. Participaron grupos como Queen, The Clash, The Pretenders, The Who, entre otros. El objetivo principal era brindar apoyo a la población de Camboya y concienciar sobre la difícil situación del país. Las ganancias de los conciertos fueron destinadas a la UNICEF para proporcionar ayuda humanitaria y contribuir a la reconstrucción del país. Estos conciertos se destacaron como un ejemplo de cómo la música puede utilizarse como medio para apoyar causas sociales y generar conciencia sobre problemáticas globales.

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Los tres miembros vivos del grupo -el batería John Bonham murió en 1980– repasarán su historia bajo la dirección de Bernard MacMahon en este documental que está aún en fase de post producción y que será presentado en el mercado del Festival de Cannes.

Se trata de la primera vez que los integrantes de Led Zeppelin autorizan y participan en un documental sobre su propia historia, por lo que se trata de una película que está ya despertando mucha expectación antes incluso de estar terminada.

La cinta incluirá también entrevistas inéditas con John Bonham, fotografías y vídeos nunca antes vistos, conversaciones con otros artistas y música de la banda en alta calidad de audio.

Plant y Page escogieron a MacMahon después de ver su película American Epic, que estuvo nominada a los Emmy en 2017 y relata las raíces de la primeras grabaciones de la música norteamericana en los años veinte del siglo pasado.

“Cuando vi todo lo que Bernard había hecho visual y sonoramente con el archivo que aparece en American Epic, supe que estaría cualificado para contar nuestra historia”, ha declarado Jimmy Page a Variety.

Y Plant ha añadido: “Ver a Will Shade y tantos otros músicos pioneros de vuelta a la vida en una gran pantalla en American Epic me inspiró para contribuir a una muy interesante y emocionante historia”.

John Paul Jones, por su lado, remata asegurando que era el momento adecuado para que ellos pudieran contar su propia historia por primera vez con sus propias palabras. “Creo que esta película realmente hará revivir esta historia”, ha añadido.

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